Roma 14.05.1935
idem 1988

SEGNALATO DALLA GRAFICA CAMPIOLI                     
Espone alla Grafica Campioli nel 1992 - 1994 - 1996 - 1997 - 1998 - 1998 - 2002 - 2004
 

Emilio Anselmi Mitia Arjuna nasce nel 1940 a Tressano (corretta dizione  della forma dialettale di Terzano - Tertianus fundus, fondo di Terzo) una frazione del comune di Castellarano, in provincia di Reggio Emilia. All’età di quattro anni segue la famiglia a Modena dove resterà fino a trent’anni quando, per ragioni di lavoro, si trasferisce a Tor Mancina nei pressi di Roma dove inizia a dipingere solamente a partire dal 1970 malgrado l’ottima predisposizione per il disegno dimostrata fin dalla sua partecipazione al corso di “Modellista” nella Scuola Professionale di Stato “Fermo Corni” di Modena  e, soprattutto,  grazie alla sua frequentazione, in qualità di collaboratore, nella Galleria romana  “Il Nuovo Carpine”  di Giorgio Braghiroli 

Pittore, incisore e scultore, predilige le sfumature della monocromia ai colori di una ricca tavolozza.
Si esprime, prevalentemente, con materiali riciclati, manoscritti antichi, cartoni,  legni e metalli. La sua arte vuole rappresentare e rappresenta  un ritorno alla dimensione naturale o primordiale del sacro.

MOSTRE PERSONALI 1974 Monterotondo Centro Sociale di Educazione Permanente - Palazzo degli Orsini; 1974 Casaprota Provincia di Rieti - Pro Loco; 1975 Monterotondo - Sala Consiliare; 1976 Modena - Galleria d'Arte Ghirlandina; 1977 Roma Via dei Prefetti- Galleria d'Arte Contemporanea "Il Triangolo"; 1977 Roma Via della Stelletta - Galleria d'Arte "Pantheon Ventuno"; 1978 Roma - Circolo Sociale d'Arte "Prenestino-Centocelle"- Frantumazione della parola Davide De Felici; 1979 Sulmona (L'Aquila) - Circolo d'Arte e Cultura "Il Quadrivio"; 1979 Jesi (Ancona) – (Mostra a tre) Palazzo dei Convegni; 1980 L'Aquila - Galleria d'Arte Contemporanea "La Sonda"; Dal 1980 dirige la "Grafica Campioli" Stamperia e Galleria d'Arte in Monterotondo (Roma); 1991 Rieti - Excalibur "Pietre" Arianna di Genova; 1992 Monterotondo (mostra a due) Grafica Campioli "Estate Eretina; 1994 Monterotondo - Galleria d'Arte Contemporanea Grafica Campioli; 1995 Castelvecchio Subequo (L'Aquila) - Museo Civico "Il tempio della memoria"; 1995 Rieti - Palazzo Comunale "Il tesoro nascosto" Franco Campegiani; 1997 Monterotondo - Associazione d'Arte e Cultura "Grafica Campioli"; 1997 Roma - Galleria d'Arte Contemporanea L'Ariete "Bianco di Persia"; 1997 Mentana - Palazzo Borghese - "Pietre Miliari" Anna Chiara Anselmi; 1998 Monterotondo - Grafica Campioli "Il popolo delle Pietre, della Musica, delle Immagini"; 1998 Monterotondo - Palazzo Orsini "Progetti di delirio" Miriam Poddi; 1998 Monteflavio (Roma) Pineta – “La ruota di medicina” Happening; 1998 Roma Chiesa Anglicana All Saints “Sacred Spirit” Mario Lunetta; 2000 Roma Chiesa S.Rita dei Poverelli “La Porta del Cielo” A.C.Anselmi, A.Antoniani, L.Billi, G.Iacomucci Litofino, M.Ruiu; 2000 L’Aquila – Palazzetto dei Nobili “La Porta del Cielo” “Omaggio a Celestino V”; 2002 Monterotondo – (Mostra a due) Ass. d’Arte & Cultura Grafica Campioli “Frammenti e Frammenti”; 2004 Monterotondo – Centro Culturale “Antiche Cantine Mancini” Antonello Ferrero; 2004 Modena – (Mostra a due) Sala Comunale “Paradisino” – Pepper and Secret Spirit; 2004 Ariccia – Locanda Martorelli “I giorni dell’Omega” – Aldo Onorati; 2005 Monterotondo – Scalinata del Palazzo Orsini “Calice”; 2006 Monterotondo – Tutti a borgo “Le sculture in piazza” Happening; 2007 Monterotondo - (Mostra a due) – “Prove generali” –Grafica Campioli. BIBLIOGRAFIA  Il Tempo, Il Resto del Carlino, La Gazzetta dell'Emilia, Praxis Artistica, Allgemeines Kunstlerlexicon – Dar Leipzig, Art Guide, Anna Bella, L'Elite, Tiburno, Hinterland, Monterotondo Oggi, Mondo Sabino, La settimana a Roma, Il Popolo, Il Centro (Aquilone) - La Sponda, Scena Illustrata, La Ribalta, A.G.E.S., Annuario Comanducci, Paese Sera, L'Osservatore Romano, Teleuropa, Catalogo d'Arte Contemporanea Editrice Alba, Radio Televisione Teleroma 56, Radiondasabina R.O.S., Rai Rete Tre (Gazzettino Regionale del Lazio), Artesette di Telejolli 41, Vademecum dell'Arte Editrice Il Pilastro - Firenze, TV1 Radiotelevisione Sulmona.       "migrare" ferro h. 2 mt. Hanno scritto: Giovanni Anceschi, Anna Chiara Anselmi, Andrea Antoniani, Berenice, Elisabetta Berliocchi, Luigi Billi, Giorgio Braghiroli, Franco Campegiani, Bruno Caruso, Anton Ponce de Leon, Daniele De Felici, Arianna Di Genova, Franco Ferrari, Antonello Ferrero, Elisa Francesconi, Giancarlo Iacomucci Litofino, Mario Lunetta, Fabio Marazzi, Fausto Marzioli, Aldo Onorati, Ferruccio Veronesi, Daniela Pierpaoli, Miriam Poddi, Sergio Guzzo Premoli, Carlo Previdi, Gian Luca Promontorio, Massimo Ruiu, Sangiuliano, Elide Smeraldi, Enrico Todi.  "pesa sulle cose la luce" locandina della mostra a Campogalliano (Modena) MOSTRE COLLETTIVE  1973 Comune di Monterotondo – III biennale d’Arte Contemporanea “Premio Città di Monterotondo”; 1973 Galleria S. Achille Martire – Roma 1° Trofeo S. Achille Martire; 1973 Galleria La Metopa – Roma “Trofeo Settembre a Roma”; 1973 Galleria Luigi Calamatta – Civitavecchia “XXXV Premio Nazionale Civitavecchia”; 1973 C.S.E.P. Comune di Monterotondo – Mostra D’arte; 1974 Circolo Culturale Il Dialogo – Rieti “Maestri e Pittori Contemporanei”; 1975 Palazzo delle Esposizioni - Roma “Mostra Regionale d’Arte Lazio’75”; 1977 A.C.L.I. – Monterotondo “II rassegna d’arte contemporanea”; 1977 Monterotondo Scalo – Estemporanea “Trofeo Paolo Angelani”; 1978 Comune di Monterotondo “V biennale d’arte contemporanea Premio Città di Monterotondo”; 1978 Comune di Monterotondo III Circoscrizione – Collettiva d’Arte Contemporanea; 1978 Monterotondo Scalo – Estemporanea “Trofeo Paolo Angelani”; 1978 Circolo Sociale d’Arte Prenestino Centocelle – Roma “II rassegna d’arte Contemporanea”; 1979 Sassoferrato Ancona – Università degli Studi di Urbino “XXIX rassegna di pittura “G.B.Salvi”; 1979 Parigi - Francia Bilan de l'Art Contemporain "Gli artisti d'Italia a Parigi"; 1979 Comune di Monterotondo IIIa Circoscrizione - "Mostra dedicata a Paolo Angelani"; 1979 Sulmona - L'Aquila - VIa Mostra Nazionale d'Arte Contemporanea; 1986 Isola del Gran Sasso d'Italia (Teramo) - Mostra d'Arte "Incisori Contemporanei"; 1987 Associazione Pro-Loco Comune di S. Gregorio da Sassola - "Mostra estemporanea di pittura"; 1993 Roma - "Collezione di farfalle" (Paolo Balmas); 1995 Palazzo Corvaja Taormina - "Tutte le Madonne del Mondo"; 1996 Galleria d'Arte Tricromia - Mentana "Proposte '96"; 1996 Voci dell'Arte - Roma "Tutte le Madonne del Mondo"; 1997 Centro Sperimentale Tor Mancina "Mostra Internazionale di Scultura"; 1998 Monterotondo - Associazione d'Arte e Cultura Grafica Campioli "Il Delta di Venere"; 1998 Nemi - Inti raymi (Festa del Sole) -Organizzazione ACCSIA Indios d'America; 2001 Monterotondo - Associazione d'Arte e Cultura Grafica Campioli "Arte in folio"; 2002 Roma - Torretta Valadier (Transcritica) – L’acqua “I fiumi del Lazio”; 2002 Roma – Palazzo Valentini (Transcritica) – L’acqua “I fiumi del Lazio”; 2003 Monterotondo – Ass.ne d’Arte & Cultura Grafica Campioli “Percorsi”; 2006 Vaduz– Partecipa al “Reto engare Wasserhilfe con un’opera.. Liechtensteinischen Kunstmuseum; 2006 “I sentieri del gusto” Legambiente, Regione Lazio, Ass. Perseo, Comune di Monterotondo; 2006 Incontriamo la Cultura – Parco Arcobaleno - Ass. Perseo Comune di Monterotondo; 2006 “I sentieri del gusto” Legambiente, Regione Lazio, Ass. Perseo, Comune di Monterotondo; 2006 Meisterschwanden (Svizzera) Kunst forum mitgliender e glast – Austellung; PRESENTAZIONI, RECENSIONI E TESTIMONIANZE "...perchè ho scelto come base delle mie opere la carta scritta, usata, da buttare per intenderci è soltanto un fatto tecnico oppure si tratta di un impegno per trasmettere l'importanza che potrebbe avere la frantumazione della parola…". Il dialogo con Anselmi Emilio inizia più o meno così; il perché della frantumazione della parola è meno complesso di quel che sembra. L'artista reggiano si oppone alla parola usata con disonestà, con dolo, con malafede. Per un fattore analfabeta un affare concluso con una stretta di mano è stipulato; in separata sede gli si potrebbe far firmare atti che lui, parlandone, non accetterebbe. Proprio perché non sa leggere. L'uso della carta scritta è attento ed oculato; non è carta normale: si tratta di fogli sui quali sono scrupolosamente annotati i conti della "roba". Quello di Anselmi è il discorso della terra irrigata con il sudore degli uomini preposti a lavorarla dall'alba al tramonto. Si affollano nella mente indimenticabili pagine di Giovanni Verga e Grazia Deledda: nella loro rassegnazione nel loro amore e disonore per la terra si trovano molti dei motivi che emanano dalle tele di Emilio Anselmi. Motivi recentemente balzati con pieno merito agli onori del grande schermo grazie ad Olmi e Bertolucci con "L'albero degli zoccoli" e "Novecento"; scene, pause, sguardi, silenzi più adatti ad un'opera lirica che a quadri o pellicole cinematografiche, ma non per questo meno suggestivi… … Scrive Anselmi: si tratta di un consuntivo della parola, del suo significato, del suo valore politico, per farne emergere le contraddizioni ed indicarne l'occulta finalità. In parete d'inganni si realizza, forse, quella frantumazione della parola che dà il titolo alla personale, frantumare, eliminare la parola disonesta ed ingannatrice, imparare a comunicare con i nostri simili grazie alle illimitate qualità sensoriali ed extra-sensoriali di cui è ricco l'animo umano. Come? La risposta la dà Anselmi stesso: "La Natura di insegna tutto, basterebbe voler apprendere". Di pregevole fattura anche le opere scultoree; si tratta di radiche di fiume di diverse dimensioni trattate con successivi strati di oli e colori; esili scheletri trasportati per chilometri e levigati per anni dalla corrente. Da Verga alla Deledda, da Olmi a Bertolucci alle radiche del Po di Bacchelli è un unico susseguirsi di profumi e sensazioni che danno vita alle tele di Anselmi. E' semplice e bello seguire l'artista nella sua frantumazione della parola con tutte le componenti di cui s'è detto, ma sono da non dimenticare i fogli di quaderno con la conta della roba. Sono parte integrante della pittura di Anselmi, con l'augurio e la speranza che il "Fattore" torni nuovamente sposo della terra. Daniele De Felici Alla galleria Pantheon Ventuno ha riscosso grande successo la personale di Emilio Anselmi. Sebbene si tratti di un autodidatta, la sua pittura è estremamente valida. Dalle sue opere emana una forza spirituale veramente fuori dal comune, dove l'Arte supera la tecnica. (Teleuropa - n. 5/6 . 1997) Alla "Ghirlandina" (Canalino 43), prima personale modenese di Emilio Anselmi, un reggiano trentasettenne che vive a Monterotondo, presso Roma. La mostra si raccomanda per il rigore col quale Anselmi - approdato alla pittura da pochi anni - conduce la sua ricerca in un'area che definiremmo di naturalismo astratto con propensioni liriche. Si tratta di chine che, dopo essere state diluite con solventi, vengono tese a spatola. E' questa la fase più delicata dell'operazione perché c'è il rischio di cadere nel casuale o nella decorazione epidermica; trabocchetti ai quali il pittore quasi sempre si sottrae. (Il Resto del Carlino) Ferruccio Veronesi Emilio Anselmi ha cominciato a dipingere da poco più di quattro anni. Nativo del reggiano trentaseienne, residente a Tor Mancina di Roma, dove lavora, ha allestito in questi giorni una mostra personale alla Galleria Ghirlandina in Via Canalino 43. Una trentina fra quadri e disegni, che proseguono l'iter percorso da Anselmi in questi anni di lavoro artistico già denso di riconoscimenti (fra l'altro il 1° premio, per elencarne uno, di grafica bianco e nero alla mostra regionale d'Arte "Lazio '75"). Disegni e pittura (quest'ultima utilizza sapientemente una tecnica di china diluita e stemperata a spatola) meritano un esame separato. Nei primi, la ricerca prevalente dell'artista è indirizzata verso un effetto di arcane geometrie che scandiscono lo spazio per esigenza connaturata; è quasi l'impossibilità di rinunciare a una decifrazione personale a un dialogo con significati intuiti dall'artista e ritrasmessi in un eloquente gioco di prospettive e di scorci che suggeriscono l'assorbimento del reale nell'ideale. Sulla delicatezza del disegno si innesta poi la prevalente produzione a china, che alla Ghirlandina fa la parte del leone. Si tratta di quadri di un assoluto personalismo. Emilio Anselmi offre, senza compromessi con una facile retorica, il sentimento di un tema di incontaminato astratto che ruota ancora sull'idea dello spazio. Squarci di immagini tolte quasi da paesaggi preistorici, affastellarsi di richiami alla realtà ovattata, idealizzata con la particolare tecnica del pittore, con la china diluita che meglio di qualsiasi altra soluzione riempie di delicata atmosfera le composizioni. Una mostra che appare convincente, rigorosa nella coerenza quanto precisa nell'espressione, che certamente riflette da parte dell'autore il possesso di strumenti estremamente efficaci. Una promessa anche per il futuro. (La Gazzetta dell'Emilia) m.d.m. I lavori di Anselmi presentati all'Excalibur di Rieti nascono dalla pratica a lui familiare di ricercare elementi naturali (come radici di alberi o pietre), forme, colori ed immagini che possano confrontarsi con l'arte. Così la scultura, che si origina dal primitivo gesto di "modellare" oggetti, affermando un'appropriazione della materia da parte dell'uomo, inverte qui il suo processo, dandosi come operazione già naturalmente compiuta. L'artista diventa un demiurgo che "trae fuori" da una presenza già di per sé consistente, una corposità emozionante. Anselmi racconta di aver raccolto i suoi sassi nel corso del tempo, di averli guardati a lungo, di averli lasciati "vivere" accanto a sé nei giorni, fino a quando, sentitosi pronto ad interagire con loro, ha deciso di trasformarli in oggetti artistici. Dai precedenti lavori pittorici di Anselmi (costituiti da collages di carte antiche manoscritte che nelle loro venature già avevano in nuce le "rughe" della storia), alle pietre, il passo è breve e necessario. L'intervento dell'artista è ridotto al minimo: da una parte la presenza di una pietra che sulla base di una riflessione estetica è stata scelta fra migliaia di altre, diventando così una architettura della memoria, una specie di rudere che racchiude in sé un intero universo di linee, forme e colori; dall'altra parte, uno stralcio di carta manoscritta, che viene incollato sul sasso, con un atteggiamento di grande rispetto, che affonda le sue radici nelle pratiche orientali del pensiero Zen. La carta non invade la pietra, ma la accompagna suggerendo il paragone tra due percorsi svoltisi parallelamente: quello della natura e quello dell'uomo. Non c'è nulla di concettuale alla base dell'operazione di Anselmi; né alla base del ready-made che egli consacra con il suo atto artistico, è avvertibile un intento provocatorio. Piuttosto nel suo processo creativo è rintracciabile una matrice di origine romantica che idealizza il senso estetico delle cose e la loro immediatezza espressiva. L'opera di Anselmi si presenta concepita come una stratificazione su due livelli: la base della scultura, lavorata ad intarsi di carte manoscritte ed impreziosita come un vero oggetto d'arte, a cui viene affidato il racconto della Storia, e la pietra "reinterpretata", che invece si assume il compito di generare il confronto tra la memoria collettiva e l'Io dell'artista. La carta utilizzata da Anselmi è tratta dall'archivio di un fattore di campagna: vi compaiono cifre, conti, a testimonianza di un lavoro quotidiano a contatto con la terra; perciò il linguaggio, che spesso conduce verso strade puramente filosofiche, si dà qui in tutta la sua concretezza e si trasforma in arte nel suo essere macchia, colore sbiadito dal tempo e materia ruvida. Alla vista, il più intellettualizzato e viziato dai pregiudizi dei sensi umani viene preferito il tatto. Toccare le superfici venose della pietra, le stratificazioni della carta diventa così il modo più diretto per avvicinarsi alla comprensione, per leggere le opere dall'interno di loro stesse. Quei sassi, che spesso restano adagiati silenziosamente nei prati, si caricano di una forza magica, rinascono sotto forma di feticcio (ad es. "Pietra nera", 1990), e vengono scoperti sulla base dell'intuizione dell'artista più che su un immaginario costellato di simbologie alla moda. I conti del fattore racchiusi in quei fogli ingialliti dagli anni, incidono brani di poesia nella pietra, lasciando riemergere un vecchio conflitto tra due opposti: quello del lato diurno della nostra esistenza (scrittura) ed il lato notturno (l'alfabeto misteriosi di un universo interiore rappresentato dal sasso). Arianna Di Genova Il concetto pittorico di Emilio Anselmi può essere annoverato fra quelle tendenze artistiche che intendono esprimersi attraverso una stringata sintesi di effetti tonali ed una precisa selezione delle forme. Queste finalità ci sembra che siano state ampiamente raggiunte nelle opere che l'artista ha recentemente esposto, in una mostra personale, alla Galleria Pantheon in Via della Stelletta. In esse, infatti, viene dimenticata qualsiasi regola accademica e qualunque riferimento alla realtà oggettiva, anche se da questa parte sempre l'ispirazione dell'artista, è volutamente escluso per lasciare ampio spazio alle tonalità cromatiche raggiunte mediante spregiudicati accostamenti i quali, però, dato che sono concepiti nei limiti di un raffinato gusto estetico, definiscono una armonia coloristica di grande suggestione. Per rendere più viva la composizione e più incisivo il suo discorso, Anselmi non esita a ricorrere anche all'aiuto di effetti materici che si possono ottenere con l'impiego di sostanze eterogenee soprattutto quando l'illustrazione di un soggetto avviene, non secondo i termini dettati da una percezione visiva diretta, ma attraverso il filtro del ricordo e di ciò che la memoria pone in evidenza sotto lo stimolo di una intima riflessione e di una sofferta meditazione. Non si tratta, quindi, di opere tendenti a riprodurre ciò che può essere visto e percepito dagli organi sensori ma semplicemente intuisce nei momenti di maggiore abbandono. Fausto Marzioli L'attenzione critica di fronte ad opera grafica usa fermarsi prevalentemente su aspetti di carattere tecnico. Certo oggi i fatti tecnici hanno assunto un ruolo molto importante nella produzione critica e talvolta l'originalità e la novità di una tecnica tendono a sostituire quelli che tradizionalmente erano i contenuti della rappresentazione o addirittura a mascherare la incapacità di realizzare un discorso comunicativo, nel caso di Anselmi invece la ricchezza e l'originalità del contenuto ideologico della sua produzione spinge a trascurare per un attimo il fatto tecnico, anche se interessante, da non costituire né una novità né un problema. Il superamento della fase di tumultuosa formazione è avvenuto attraverso la mediazione di un tipo di cultura di origine ambientale. Mediazione del mito che si attua inoltre in Anselmi con conciliazione di impulsi della fantasia ed esigenze di ordine compositivo, e chiarezze di discorso che costituiscono la premessa di tutti i suoi lavori. Nella dialettica degli impulsi del sentimento e della rivolta, e dell'esigenza di una razionalizzazione del reale per poterlo meglio comprendere e giudicare, si pone come mediatore il ricorso, attraverso il quale Anselmi perviene ad una più profonda coscienza di sé e delle forze più prepotenti della natura. In questa intima e imperiosa tensione sta, forse, la sua caratteristica peculiare. Giorgio Braghiroli Nato in provincia di Reggio Emilia, porta con sé la generosità d’impegno della gente emiliana. Dal ’74 al ’77 è presente in ben sei “personali” a Roma, Modena, Rieti e Monterotondo e a numerose collettive e mai gli sono mancati consensi di pubblico e di critica. La sua pittura vuol rappresentare la presa di coscienza dei nostri desideri e delle nostre ansie, ch’egli esprime con purezza plastica raffinata e con la ricchezza e l’originalità di un contenuto ideologico che nasce da profonde e sofferte ricerche interiori. E’ candidato al Classification Europa Club Diploma (CEC) Enrico Todi Una rosa rossa tra le sbarre. Un'allegoria affascinante, ideata da Emilio Anselmi, che ci offre una chiave di lettura profondamente simbolica. Emilio Anselmi nella costruzione delle sue opere, ama prendere un soggetto, estrapolarlo dalla sua realtà e svelarne i contenuti più intimi, più segreti, ponendolo in una "dimensione-altra", che ne metta in luce la sua recondita essenza. Un immaginario che si esprime in accostamenti tra oggetti, audace ed insolito, dove la volontà dell'artista è tesa a far si che l'opera "parli al fruitore", gli si rivolga direttamente, se pure a volte con un linguaggio arcano, trasmettendogli tutta la sua ricchezza significante. Su questa lunghezza d'onda ne "La Rosa" l'incontro tra l'artista e l'autore rappresenta una straordinaria sintonia che si esprime in una immagine di rara intensità. Emilio Anselmi sceglie una rosa dal gambo lunghissimo, irto di spine, e la accosta ad una imponente inferriata. Il modo prospettico che guida l'osservazione è obliquo, obbliga chi guarda ad un angolo di visione difficile, disorientante. Lo spazio è privo di respiro, chiuso, bloccato da un solido reticolo di ferro che crea angoscia, un'atmosfera di ansietà. Ma al contatto con la rosa le sbarre gravi e nodose si distorcono, si incurvano, si ritraggono, come se il bellissimo fragile fiore, con la sua sola presenza, forte e misteriosa, riuscisse a piegare, a spezzare le pesanti maglie della grata e a protendersi "al di la", nello spazio, non più ingabbiata, a simboleggiare un incontenibile grido di dolore e di liberazione dell'animo dell'artista. Ora, il riferimento all'insita capacità della poesia di trascendere, con lampi di illuminazione, la opprimente realtà che imprigiona l'uomo sembra essere il cuore di questa raffigurazione. L'allusione al mondo poetico e visionario di Angelo Mancini è particolarmente delicata e coraggiosa soprattutto nel voler risaltare, sin dalla copertina del libro, un messaggio che è proprio della sua poesia: l'insofferenza e il malessere di un uomo che medita "progetti di delirio" in un'epoca di indifferenza; un poeta mutevole e sensibile, dilacerato, che cerca, incoerente e provocatorio, di attraversare di andare oltre le "sbarre" della soffocante realtà inquieta e degradata dei nostri tempi, in un conflitto oscuro e violento con le aspre e ineludibili contraddizioni della vita. Il verso di Angelo Mancini, allora, si specchia nell'immagine di Emilio Anselmi, la stessa metaforica "contraddizione" tra una rosa e una grata, tra la libertà e il suo opposto. Miriam Poddi Questo non è il racconto di un grande cacciatore, né di un grande guerriero né di un grande viaggiatore, sebbene ai miei tempi io abbia cacciato molta carne e lottato per la mia gente, sia da ragazzo che da uomo, e sia andato lontano e abbia visto tante terre e uomini strani. Lo stesso hanno fatto molti altri e meglio di me. Queste cose le ricorderò nel mio racconto e spesso potrà sembrare che esse costituiscano il racconto stesso, come quando le vivevo, nella felicità e nella disgrazia. Ma adesso che posso vedere tutto ciò come dall'alto di un colle solitario, so che era la storia di una potente visione, concessa a un uomo troppo debole per servirsene: di un albero sacro che avrebbe dovuto fiorire nel cuore di un popolo, con fiori e uccelli canori, e che adesso si è seccato; del sogno di un popolo che morì nella neve insanguinata". Sono alcune delle parole desolate e appassionate che il vecchio stregone Sioux Alce Nero pronuncia durante la lunga narrazione che stende come un lunghissimo tappeto davanti a John G. Neihardt, animoso rievocatore della storia del West. Alce Nero della tribù Oglala dei Sioux e cugino del grande capo Cavallo Pazzo, è già quasi cieco, e sopravvive sulle brulle montagne del Big Horn, a ovest di Manderson. E' l'agosto del 1931. Tra le affermazioni più decisive che il vecchio stregone fa, e che il suo intervistatore raccoglierà poi in un libro di straordinario ardore e precisione come Alce Nero parla almeno un paio sembrano lanciate nel futuro per essere raccolte da chi ha mente ferma, fantasia libera e buona volontà: 1) "E' nell'oscurità dei loro occhi che gli uomini si perdono"; 2) "A volte i sogni sono più savi che la veglia" (e quest'ultima avrebbe potuto pronunciarla pari pari André Breton). A un tratto, in un'invocazione al Grande Spirito, Alce Nero chiede la forza di "camminare sulla morbida terra, come parente di tutto ciò che esiste". Rimarrà inascoltata. Il vincitore bianco la calpesterà, come tutto, e il vecchio stregone, che sarebbe sicuramente piaciuto a un panteista doc della specie di Giordano Bruno, constata dolorosamente che "il cerchio della nazione è rotto e i suoi frammenti sono sparsi. Il cerchio non ha più centro, e l'albero sacro è morto". E' il caso di dire che, quasi per un minuscolo paradosso della storia (e della storia dei linguaggi, nella fattispecie), il disperato testimone del vecchio predicatore Sioux è stato raccolto, in età postmoderna e ipertecnologica, da un artista di grande sensibilità antropologica, che nel disordine casuale dei materiali rinvenuti nell'immane scarto del consumo persegue un ordine alterno rispetto al caos dell'impostura totale che deregola la nostra vita e di ogni istante di essa fa merce e merda. Emilio Anselmi non realizza i suoi manufatti new indian appiattendosi - come molti, troppi operatori di linea land art o di linea arte povera - sulle scoperte geniali e ciniche di Duchamp, che hanno azzerato il rapporto tra senso dell'opera d'arte e percezione del fruitore. Anselmi lavora anche lui sul ready made, ma con uno spirito assolutamente scevro di eleganze e di trucchi; al contrario, con un empito panico che contiene in sé anche la coscienza dell'inanità del tentativo di riprendere la corsa, una volta afferrato il testimone che il rappresentante esimio di una civiltà scomparsa ha lanciato nel futuro. E' questa aderenza alla vita e alle sue tracce più deperibili, è questo disporsi fraterno in sintonia con un microuniverso frammentario, trascinato nel buio di una deriva senza approdi, che fa dell'artista modenese (ormai laziale) prima che un creatore, un lettore paziente e sottile dei nessi che intercorrono tra natura e cultura, spontaneità biologica e artificio tecnico. Esemplare in questo senso è l'happening dedicato alla cultura die popoli pellerossa nella pineta di Monteflavio, col titolo "La ruota di medicina" (Sculture e istallazioni), in collaborazione con Anna Chiara Anselmi e Antonio Solarino, nella giornata dello scorso sabato 25 luglio 1998; come già tutti concepiti in quest'ottica insieme plurale e distintiva erano in passato i raffinatissimi manufatti ottenuti per avventurosa ma stringente contaminazione da antiche carte scritte, legni, pietre, giochi di inchiostri di china diluiti con solventi, scatole, fotografie: un'imagerie delirante, tra il feticistico e l'animistico, in cui contava soprattutto il respiro del trascorrere del tempo e l'età misteriosa delle trasformazioni, come in una metampsicosi senza clamori, umile, dimessa, forte soltanto del suo approdo precario dentro la forma di questo o quell'oggetto, di questa o quella pallida icona. Il legno, la pietra, il ferro: sono i cardini di questo straordinario "cacciatore" che aborre il sangue e la violenza e si chiama Emilio Anselmi. Cacciatore di elementi residuali, nei quali insuffla - al di là di ogni sarcasmo - fiati di consonante tenerezza. Ed ecco allora il susseguirsi di opere installate nella natura, assolutamente inconcepibili in uno spazio chiuso, come in un abbandono attento, in una dimenticanza che non vuole confondersi con l'oblio, ma proseguire umilmente la catena delle interrogazioni (terrestri e cosmiche) che le animò in altri tempi, in altri luoghi remoti, prima che venisse bestialmente disperso il sogno di un popolo che morì nella neve insanguinata. Parlano di questa terribile epopea i titoli anselmiani, che sono anche - naturalmente - parola che racconta, memoria e presenza: "La grande ruota della medicina", "Modern tribute to the dead", "Il guerriero della pace", "La leggenda del Totem", "Lo scudo", "Alce Nero", "Totem primordiale", "Sacred rattle", "Totem metropolitano". Ora, questa serie di opere raccolte sotto il titolo di "Sacred spirit", approdata in luogo molto particolare della Roma eterna e eternamente sconquassata, lontanissima comunque dall'energia integrativa con l'ambiente che caratterizza la cultura pellerossa, continua il discorso che Anselmi ha pronunciato negli ultimi anni, e in cui il dato estetico si definisce sul filo di una pregnanza alchemica elementare, di un contatto immediato con la corporeità di una sapiente rigenerazione della infinita fattualità della natura; come dire, il contrario (silenziosamente polemico e intelligentemente intransigente) di quel riciclaggio oggi confusamente di moda. Tornano opere potenti e catafratte come "The mask", o intrise di magia feticistica come "The sacred rattle", con quel carapace di grande pregnanza simbolica; tornano "Alce Nero" - come sintesi storica e psicologica di tutto un percorso e di un lungo amore -, il bellissimo "Totem metropolitano" dal corpo metallico e dalle temibili orecchie; "Totem primordiale"; l'affascinante e inquietante "Ruota di medicina" con la sua selvaggia semplicità … E in più, ecco il versante del gioco, il recupero della libertà infantile racchiusa nel feticcio della bambola, che in questa serie di cinque realtà esalta la purezza autonoma della scultura in quanto forma e organismo pregnante di fermezza e eleganza: e qui, al pathos anselmiano per la ritualità figurale pellerossa si intreccia il rapporto con la plastica africana e il lascito essenziale e drastico di un cardine dell'avanguardia storica come Brancusi: "La bambola sacra", "Hopi doll", "Kachina doll", "La bambola Zuni", "La bambola dai capelli al vento", infine, costruita con un rigore da teorema pitagorico … I dieci quadri con i chiodi, esaltando il vuoto abitato soltanto - e in modi chiaramente precari e instabili - da elementi di ferro entro un supporto ligneo che fa da incongrua cornice, aprono su una zona della personalità dell'artista certo foriera di altri sorprendenti esiti: quella dell'ironia metafisica. Ancora dominante, in questa serie, il gusto per lo choc che in un mondo di sontuosità finte violentemente esibite può produrre l'interazione tra due materiali poveri: e l'effetto è quello di una ferita che in sé comprende la possibilità di un sogno ricomposto, con aspra semplicità e intelligente crudezza. Mario Lunetta Accademia Platonica, settembre, 1998 Dalla natura ci arriva un messaggio a cui la storia dell'uomo risponde, lasciando pagine scritte molti giorni fa su di una pietra levigata dal passar del tempo e dallo scorrere dell'acqua. Vere pietre miliari che segnalano con la propria presenza tappe fondamentali nel percorso in miglia dell'umanità, raccolte da E.A. Mitia, accarezzate, scelte tra tante a parlarci di noi e del nostro essere natura diventata storia. Dietro il gesto dell'artista, in questo caso, c'è un rapporto vibrante ed emozionato con le cose del mondo e un voler ascoltare i messaggi cifrati - ma non troppo - che dalla natura, una "natura naturans" che ci dà la vita, giungono a parlarci di miti arcani ed oscure leggende e arrivano a insegnarci a leggere il "perché" delle cose ed il "come" degli accadimenti … basta saper ascoltare!. Le leggi del cosmo e della creazione dell'universo valgono anche per la nascita dell'individuo ed il suo divenire essere pensante: è da qui che bisogna partire per "imparare a leggere", dai primi elementi dell'alfabeto, vale a dire il nostro appartenere alla natura. E' da qui che nasce una consapevolezza del linguaggio, o meglio dei linguaggi, che ci mette in condizione di comunicare, al di là di ogni possibile differenza con il nostro interlocutore. L'uomo, dunque, dialoga con la natura scoprendo in essa le proprie radici e imprimendovi tracce del proprio passato - le pagine scritte! - ma dialoga anche con l'altro, con chi è diverso da lui, parla apparentemente un'altra lingua e chiama Dio con un nome differente. Che si tratti di Allah o Budda, o che non si chiami affatto, l'uomo esprime infatti da sempre, e per lo più attraverso l'arte, la propria ansia di infinito e il proprio appartenere ad una dimensione che è solo provvisoria, un semplice passaggio a quanto si potrà raggiungere in comunione con il proprio spirito, che importa se su questa terra o in altri mondi? Ma se uomo e natura condividono la stessa origine, il loro comune appartenere all'universo, e se uomo e uomo non sono diversi ma un diverso mostrarsi della medesima combinazione di anima e corpo, di spirito e materia, dove trovare il punto di incontro e come esprimere l'elemento proporzionale tra cielo e terra, finito ed infinito, terreno ed eterno? La "quadratura del cerchio", di cui sempre peraltro l'arte si è occupata, sta proprio qui, nelle pietre miliari segnate dal tempo e dal fluire organico dell'esistenza, espressione di un equilibrio alchemico tra la vita e il suo divenire storia, pronte ad accogliere pagine scritte dall'uomo o suoi gesti ed azioni che vadano a segnarle per interloquire. Le opere di Mitia non nascono però da un semplice amore per la natura, ma da una riflessione più profonda su quanto di profondo vi è in noi: non basta esserci nato ed aver vissuto in mezzo alla natura per capirla… bisogna credere che le risposte alle nostre domande non vadano cercate lontano, nelle complicazioni di questioni a noi oscure, incomprensibili, ma che basti guardarsi intorno, un po' come "en plen air" gli impressionisti arricchivano la propria tavolozza traendo colori dalla realtà circostante, per trovare la chiave con cui aprire le porte che conducono a noi stessi. Da qui "La biblioteca della memoria", pietre che sostengono libri scritti a mano, travertino unito a carte segnate nel secolo scorso da parole scritte da non sappiamo chi, "Totem", albero rituale su cui poggiano, trafitte, radici levigate a disegnare sagome di uccelli, il sasso di fiume perfettamente modellato ma "sezionato" dall'azione dell'uomo, protagonista di "Il sacrificio" (Ceppo da macellaio). Il riferimento ad una religione universale, fatta di storie e profeti dai nomi diversi, ma nati da uno stesso legate all'infinito, diventa esplicito in "La pietra nera" e "Tavole della legge": la Ka'aba intorno alla quale i musulmani devono girare sei volte coscienti della magnificenza di Allah si trova infatti esposta accanto alle tavole consegnate a Mosè sul monte Sinai da un Dio che forse è diverso soltanto per nome da quello per cui ci si reca, almeno una volta nella vita, in pellegrinaggio alla Mecca. Tor Mancina, 1997 Anna Chiara Anselmi Il fascino dell’estetica del frammento come memoria, è questo forse che Emilio sente come testimonianza umana della storia; man mano che l’assemblaggio si ordina, creano un insieme di una imperscrutabile logica interna che poi si fa incontro e svelamento. Pian piano prende sostanza e si apre alla mente la dolcezza della reminescenza, travalica i significati residui dei singoli pezzi e ne riscatta complessivamente un significato altro e alto. L’oggetto si fa simbolo metafisico grato e conflittuale, arcaico e ironico, diviso tra l’aspirazione al cielo e l’attrazione naturale della terra, la concretezza della vita e il desiderio di trascendenza. Insieme al vagabondare della mente Emilio percorre vasti spazi ove oggetti dimenticati consumano le loro acconciature funzionali assumendo aspetti di inutile residuo, alza le antenne dei sensi e lancia la rete per un possibile incontro: cavalcando un cavallo immaginario come un libero indiano nella sua prateria, nelle spiagge deserte, nei prati dimenticati scorge da lontano la sua “pepita” brillare e lì, in una attrazione reciproca, avviene l’innamoramento e i dolci ricordi si sfanno.” “ L’importanza sta nello sguardo non solo nel soggetto”, Andrè Gide. Una treccia disfatta (Lady Godiva) è la memoria atavica di una eroina mitologica, porta con se il sapore del vento salato che violento fischia tra le sartie di navi del passato, un legno tra uomo e croce lascia che l’aria morbida muova dolcemente un cappio ormai inutile come una cravatta disfatta dopo una sera di baldorie; un sasso (Suiseki) è una fantastica montagna in miniatura con una vela sbiadita di antico manoscritto che sa di mappa dell’Isola del Tesoro e di remote scorrerie di letture perdute. Ai soffi di vento sferzanti, alle violente tempeste e all’erosione del tempo si può ora dire: qui non potete più né toccare né distruggere, gli oggetti salvati e rinati agli sguardi sono ormai padroni di un tempo bloccato e personaggi di un teatro dei ricordi. Franco Ferrari   Costruiamo le cose, le usiamo poi le abbandoniamo alla Natura chi le accoglie, le segna, le trasforma e le restituisce agli occhi di chi, come da un lancio di astragali, ne sa leggere i misteri, a volte sacri custoditi in esse. Per Emilio l’arte è il privilegio di raccogliere i segni portati dalle cose e organizzarli in simboli per dare una risposta, seppur dubbiosa, alla nostra esistenza. Roma, 7.3.2000 Massimo Ruiu Di chi sono le opere che Emilio Espone alla Chiesa di Santa Rita in Roma? La risposta sembra evidente e la domanda pretestuosa, ma se vi fermate un attimo a pensare scoprirete che le cose non sono poi così semplici come sembrano. E’ chiaro che le opere sono di Emilio, lui le ha trovate, assemblate, pulite, restaurate e con gran modestia, plasmate con piccoli o complessi interventi, che hanno il pregio di nascondersi dietro un apparente naturalezza e semplicità. Ci vuole un gran coraggio, perché sembra facile trasformare il piombo in oro e questo nella migliore tradizione alchemica. Ora possiamo rispondere alla domanda fatta in apertura: le opere sono della “madre dei viventi”, le ha realizzate per tutti noi e sono sempre a nostra disposizione, basta decidere di cercare. Ma cercare cosa? E’ semplice: cercare se stessi, questi sono i viventi. Ognuno troverà quello che a lui serve per capire e quando arriva a comprendere qualche cosa, lo fa anche per tutti gli altri, basta che accettino di mettersi in sintonia con l’opera. L’Opera parla di un tempo trascorso, a volte di migliaia d’anni, questa è la materia che adopera in prevalenza la “madre dei viventi”. Ma nella mostra ci sono esempi di materiali con pochi anni di vita. Questi generano un forte contrasto emotivo perché li trovi sempre dove meno te lo aspetti. Che cosa è successo? Il tempo è stato assorbito e si è fermato nel momento del riconoscimento, di una parte di se con l’oggetto stesso. Questo vuol dire fare archeologia filosofica, riconoscere, conoscere di nuovo quello che un tempo era conosciuto come divino. Vuol dire conoscere se stessi attraverso l’immortale generosità della “madre dei viventi” che ci fornisce continuamente spunti di riflessione per iniziarci all’Arte. Giancarlo Iacomucci Litofino Una premessa… Emilio Anselmi colloca rimasugli scordati della vita; rimasti indietro nel mondo che fagocita cose e sentimenti e ne abbandona gli scarti ovunque. Egli raccoglie dunque, pensieri e frammenti di legno, ferodi di auto e poesie che assembla in una scansione ne univoca ne rigorosa, ma rispondente ad ancestrali figure primitive: totem guerrieri, ruote, animali. Un’operazione mediatica ed animistica che egli fa mettendo il suo corpo al servizio del mondo visibile in modo da divenire parte totale dell’Essere (invisibile) ed è in quest’opera di transustanziazione che egli stesso diventa spazio e fascio di funzioni e movimento. (Merleau-Ponty) Ma questo fare non come decisione dello spirito, un fare assoluto, che decreterebbe, dal fondo del rifugio soggettivo, un cambiamento “psichico”. Esso è il seguito naturale e la maturazione di una visione fenomenologia ab origine. In più le figure dell’Anselmi sono gradienti (in biologia è la variazione graduale dell’intensità di alcune proprietà fisiologiche, lungo l’asse principale del corpo degli organismi) imprevedibili all’occhio, alla luce, allo stato d’animo. Sembrerebbero aver vita loro, poiché “visioni”, poiché specchi e concentrazioni dell’universo. L’idios cosmos che introduce al kòinos-kòsmos, nel cuore del mondo della visione. E si potrebbe dire con Andrè Marchand: “In una foresta, ho sentito a più riprese che non ero io a guardare la foresta. Ho sentito, certi giorni, che erano gli alberi a guardarmi… La visione dell’artista non è cartesiana, non è relazione fisico-ottica con il mondo, non si rapporta alle cose empiriche, fa scoppiare la pelle delle cose (H. Michaux) per mostrare come le cose si fanno cose da se, ed il mondo mondo. Una visione… Sottotitolo: Dalle praterie del West americano a Tor Mancina. Ore 17,00, laboratorio di Emilio in Via Bellini al numero 50… di fronte alle opere della mostra. E così ho ascoltato il vento che dalla prateria portava gli odori: del bisonte acre e bianco, dell’erba, del fumo dei tipii, delle scritture che nel menoma legano a sinapsi, l’elettricità corporea dello spirito alla materia. E ho visto nelle pietre sparse dallo “stregone” e nel volo degli uccelli, tutti i colori a destino del mondo: i turchini ed i gialli rugginosi ed i rossi del sangue e i mille verdi, che l’erba della mia solitudine in quel momento dava. Ed è li che ho visto Emilio Anselmi, seduto nel vento e nella genia dell’anima mia. Antonello Ferrero Con le opere del pittore Emilio Anselmi che hanno affascinato gli amanti dell’arte Alla scoperta dell’anima delle cose. Non solo attivo presidente dell’Associazione d’Arte & Cultura Grafica Campioli ma anche artista completo tra pittura, scultura e tecnica incisoria. E’ Emilio Anselmi Mitia che nel corso dell’estate è stato protagonista indiscusso di due importanti personali a Modena, sua città natale, ed Ariccia. Dal 26 al 30 aprile, infatti, lo scultore, eretino per residenza, è stato ospite insieme al fotografo romano Piero Leonardi dell’emiliana Sala Paradisino con la mostra “Pepper and Secret Spirit”, in cui le sue ventitré opere lignee sono state accompagnate da una cinquantina di scatti. La profonda amicizia instauratasi tra i due artisti li ha spinti ad affrontare una simbolica ricerca spirituale grazie alla quale recuperare “l’anima delle cose”, come i semplici peperoni catturati dal Leonardi o i legni trasportati dal fiume sino al mare e consegnati erosi nelle mani dell’aAnselmi. “”I materiali di cui mi servo – afferma lo scultore dalle origini oriunde- sono legno, plastica, metallo, manoscritti antichi, insomma oggetti di recupero che grazie alla loro autenticità mi permettono di estrapolare dal sacro primordiale un’armonia perduta. E’ certamente una location così suggestiva si fonde perfettamente col mio intento artistico”. Dal 3 al 13 luglio, invece, l’arte totemica del modenese è stata esposta presso la Locanda Martorelli di Ariccia nell’ambito del pluriappuntamento “I giorni dell’Omega”. Tra meditazione e sacralità Anselmi ha voluto esaltare la pur sempre misteriosa semplicità rivalutando quell’essenza dell’oggetto, recuperato dal caos originario, non corrotta dal flusso temporale. Oltre alle interpretazioni fotografiche di Fabio Marazzi e Piero Leonardi, quest’ultimo ha partecipato in veste di narratore emergente con la presentazione dell’opera “Papalea”, edita da “Vivaci Pensieri” (Corriere, giovedì 7 ottobre 2004) Daniela Pierpaoli   Indiani del Nord America Sacred Spirit, è questo il titolo di una interessante mostra personale di scultura di E.A.Mitia che si terrà dal 3 al 14 ottobre prossimi nella sala delle esposizioni della chiesa romana “All Saints”, Anglican Church in via del Babuino 153/d, che , per l’occasione, osserverà l’orario 10,30 – 20,30. Le opere, tutte ispirate alle civiltà indiane del Nord America, sono prevalentemente “Totem” che sprigionano una forza emotiva d’amore e di mistero. La Gazzetta dell’Antiquariato Anno VI n° 34 Una mostra particolare, quella di Emilio Anselmi, inaugurata sabato 3 febbraio alla Galleria Tricromia di Mentana, che ha fatto conoscere a quanti già apprezzano la grande sensibilità del noto gallerista Anselmi, la sua personale disposizione artistica. Pietre, legni e manoscritti, recuperati ed assemblati nel rispetto delle originarie espressioni, ma valorizzati ponendone in risalto aspetti originali e potenzialità evocative, mirano così a salvare memorie lontane e soprattutto a trasmetterle a chi manca di tale prezioso patrimonio: A questo scopo Anselmi ci narra la “Leggenda del sacrificio”, “La leggenda delle pietre”, interviene incollando documenti di realtà quotidiana al trascorrere del tempo, avvicinando l’elemento particolare al concetto universale perché ne sia testimoninanza, con la discrezione ed il riguardo che lo distinguono dai mestieranti senza passione, in un’adozione amorevole che si traduce in opportunità espressiva priva di astrazione. Tra il forlto pubblico il giornalista RAI Augusto Giordano, il pittore Marcello Ciabatti, lo scrittore Giuseppe Vecchio, il poeta Angelo Mancini e molti altri esponenti della cultura e dell’arte. 3 febbraio 1996 Elide Smeraldi Molto interesse sta registrando la mostra di Emilio Anselmi, denominata “Pietre” all’Excalibur di Rieti, Via San Rufo 49. Scrive in catalogo Arianna Di Genova, tra l’altro… quei “sassi”, che spesso Adagiati silenziosamente nei prati, si caricano di una forma magica, rinascono sottoforma di feticcio e vengono scoperti salla base dell’intuizione dell’Artista più che su un immaginario costellato di simbologia alla moda…”. A.G.E.S. 2 marzo 1991 Si conclude oggi, presso la sala mostre del Palazzo Municipale, la mostra dell’artista Emilio Anselmi inaugurata il 13 settembre. “Il tesoro nascosto. Pietre, legni e manoscritti dell’800” è il titolo dato all’esposizione, un titolo che si giustifica con l’originalità delle opere presentate. Non si tratta, in verità, di pitture e di sculture nel senso stretto delle due parole ma, appunto, di legni, pietre e carte antiche selezionati e “lavorati” istintivamente e emotivamente. In poche parole, di oggetti, materia, spazi utilizzati secondo quello che sono i canoni della pop-art o, se si vuole, del new dada, del ready-made, per trarre da essi quel “tesoro nascosto” che è, poi, il dato emotivo. Si prenda, ad esempio, la “Leggenda del sacrificio” (pietre a fette, quasi fossero carne, su un ceppo da macellaio) che evocano i temi del bene e del male. Quello dell’Anselmi, quindi, è un percorso allegorico che merita attenzione, non foss’altro perché egli, attraverso questi elementi strappati alla loro dimensione naturale e materiale, è attento alla sacralità dello spirito, alla riconciliazione dell’uomo con la natura, alla ricchezza interiore di chi non vuole affidarsi alla pura e semplice razionalità. A.D.N. Il Tempo 19.9.1995 Personale di Emilio Anselmi Si è inaugurata mercoledì 13 la personale dell’artista eretino, ospitato per l’occasione dal Comune di Rieti nella sala delle Esposizioni all’interno del Palazzo Comunale. Nato a Castellarano in provincia di Reggio Emilia Emilio Anselmi ha iniziato a dipingere nel 1973 ma è grazie alla direzione della Galleria d’Arte “Grafica Campioli”, iniziata nel 1980 che è diventato noto in tutto il mondo sabino. L’artista raccoglie le cose più varie,, le seleziona con cura e ne fa delle opere attraverso dei semplici interventi manuali. Nei suoi “bricolages” rientra di tutto, dalle radici degli alberi ai sassi. Anselmi racconta di aver raccolto i suoi sassi nel corso del tempo, di averli guardati a lungo, di averli lasciati vivere al suo fianco per alcuni giorni fino a che non ha deciso di trasformarli in oggetti artistici. Una scelta tutto sommata naturalistica che nasce dalle capacità umanistiche di fare cultura, lasciando trapelare tutto il conflitto o la sintonia che un artista ha dentro di sé. Hanno scritto di lui quotidiani come il Resto del Carlino, Il Tempo, La Gazzetta dell’Emilia oltre a numerosi altri settimanali, le televisioni non sono state da meno e il RAI Uno nell’edizione regionale, Tele Roma 56 e TV1 di Firenze si sono occupate delle sue mostre. La mostra rimarrà allestita fino alla settimana prossima. In seguito: Galleria d’Arte “Grafica Campioli” via Bellini, 46 Monterotondo. Il Tiburno, 14 settembre 1995 Che simpatici quei due amici che sorridono. Sembrano due gemelli. E che fisico, quel tipo con la pelle gialla. Guarda un po’ che strani personaggi, ma guardali meglio…Sì, sono dei peperoni, degli ortaggi. Così – scommettiamo – non li avevate mai visti. Sono davvero dei soggetti curiosi e particolare, quelli che ci offre la mostra “Pepper and Secret Spirit” allestita fino a venerdì prossimo alla sala del Paradisino in Corso Cavour 52 (sempre dalle 10 alle 21). La mostra affianca le fotografie di Piero Leonardi alle sculture e alle installazioni di Emilio Anselmi. La ricerca di Leonardi è intitolata L’anima delle cose: “Cerco di trasformarmi in vento per fotografare le foglie che cadono – spiega Leonardi – in un insetto per fotografare un fiore, in un peperone per fotografare dei peperoni… ed ecco che si mostrano”. Il risultato è sorprendente: i peperoni acquistano un’immagine del tutto inedita e strana. Emilio Anselmi invece si cimenta con la realizzazione di sculture e istallazioni, con materiali di recupero. Sono come totem, che nascono dal legno, dalla plastica e dal metallo, appositamente riassemblati: “I materialei di Anselmi non sono nobilitati, trasformati in qualcosa d’altro dall’opera dello scultore – scrive Fabio Marazzi -. Essi rimangono così, nudi ed erosi dal tempo, mostrando tutta la loro realtà di oggetti di recupero”. Il Resto del Carlino 28 aprile 2004 Ultimo giorno, al Paradisino, della mostra “Pepper and secret spirit” che vede esposte sculture, installazioni e fotografie nella sala di Corso Cavour, 52, che è aperta al pubblico dalle 10 alle 21. In visione, ci sono le opere dello scultore Emilio Anselmi, oriundo modenese, residente nei pressi di Roma, nato nel reggiano e del fotografo Piero Leonardi, romano. I due artisti, amici, intendono “animare” cose apparentemente sen’anima, quali i peperoni od i legni trasportati dal fiume fino al mare, in un contesto di ricerca spirituale comune, nonostante lo scultore ricerchi nel “primordiale” ed il fotografo operi nel “contemporaneo”. Per entrambi, gli obiettivi sono l’autenticità e l’armonia suscitate dalla percezione sensoriale delle loro opere, che acuiscono la capacità di comprendere anche in modo diversificato il loro significato, a seconda di chi le osserva. Ambedue gli artisti sono presenti per tutta la durata della mostra, cominciata ad inizio settimana, che dichiarano essere da non perdere. Se qualcuno ancora non l’ha vista e vuole avere conferma di ciò, vi si può recare oggi, ultimo giorno di esposizione. L’ingresso alla mostra è gratuito. La Gazzetta di Modena 30 aprile 2004 – Carlo Previdi Dopo tre presenze a Sulmona, tra il 78 ed il 79, Emilio Anselmi giunge a L’Aquila per tenere una personale a “La Sonda”. Qui ordina una mostra d’insieme da cui scaturisce un quadro visivo e tematico nel quale si sommano molteplici aspetti: l’esigenza di recupero dei reperti grafici d’altra epoca, alcune situazioni materiche e di strutturazione della forma di riferimento informale, alcune annotazioni specificatamente metafisiche, una razionale e costante ricerca compositiva tale da creare vere e proprie scenografie spaziali in cui l’uomo è, appunto, il protagonista in quanto colui che ordina, in una grande e lungimirante progettazione il passato ed il presente storico. Questo artista, originario di Reggio Emilia ma da alcuni anni a Monterotondo di Roma, sembra dunque seguire una strada tutta personale dopo aver profondamente letto la pittura degli ultimi decenni. Ed infatti, pur accettando la ricerca come base del suo linguaggio, non si avventura dietro le facili intuizioni, né ricorre alle semplicistiche tecniche pittoriche. La materia informe delle pagine manoscritte salvate dalla distruzione di antiche biblioteche notarili si ricompongono in un’attenta struttura che non lascia nulla al caso ma che al contrario diventa punto di partenza e motivo di analisi continua per quelli che saranno poi gli interventi monocromatici, anch’essi ripetuti fino all’ossessione, ma ugualmente efficaci per esaltare ancor più l’apparente illegibilità dei codici grafici di volta in volta prescelti. Così come non è possibile leggere un libro soltanto mediante alcune sue pagine, non si può capire il mondo poetico dell’Anselmi attraverso una delle sue opere. L’unica chiave di lettura che ci pone insistentemente davanti agli occhi è, allora, il concetto generalizzato della incomunicabilità la quale, al contrario del grande proliferare delle comunicazioni di massa, accenna sempre più ad accentuarsi con toni allarmanti. Forse è per questo che l’ultima produzione dell’artista diventa più scheletrica esaltando le grandi campiture bianche che restringono l’immagine in uno spazio limitato a comunque non più caratterizzato dall’assemblage di recupero del manoscritto bensì disegnato con estremo rigore scientifico seguendo la tecnica tradizionale del segno e della forma acquerellata. Pur conservando la loro enigmaticità, queste nuove immagini sembrano uscite da una sorta di incubo che fino a qualche tempo addietro le tormentava in un linguaggio grafico minuto, impreziosito fino all’esasperazione. Il Tempo – 10 febbraio 1981 Per Emilio E’ un Percorso quello a cui ci invita Emilio con questo corpo di lavori intitolato “La Porta del Cielo” Il sentiero cerca sopravvivenza nello spazio fitto di segni, che paiono Segnali a cui riferirsi per proseguire il viaggio, per non perdere il cammino. Ma arrenditi, lo perderai. Il sentiero disseminato di sassi diventa poi mare, e i minerali di prima, sono pezzi di barche restituite alla spiaggia, poi. E questi avanzi di senso da tanto sbarcati, nella poetica di Anselmi diventano Porte. Non provate ad attraversarle. A nulla conducono, se non a loro stesse. E ti volti e un Re ti spaventa, un Santo ti chiama, un Totem ti inganna dicendo che no, non c’è altro cammino, sei arrivato-tranquillo- al tuo Dio. Ganesh ti sorride In fondo allo spazio, ha attraversato il Tempo, per reincarnarsi ancora. A Lui dovrai riferirti se vuoi comunicare con la Verità. Qualcuno ha messo dei chiodi nelle cornici Come fossero quadri. Attento, il nemico ti guarda. Fai silenzio, ascolta in silenzio, lasciati guardare. Loro ti possono guardare almeno quanto Tu li guarderai. Sei arrivato. Luigi Billi – marzo 2000 Irraggiungibile, il mercante di farfalle è diventato farfalla e non cerca mercanti ma doni da fare. E li trova. E li dà. E’ nato e rinato, e ancora rinasce. Da larva nel bozzolo, a verme, alle ali… Vede ora in volo forse la Madre? Davvero può andare al di là di quest’aria maligna e trovare la Madre, e non la Matrigna che ancora ossessiona il giocatore maniaco di scacchi, come tediava chi vendeva o comprava almanacchi? Son quelle ali che… Pastore alchimista, non ha mai ceduto, ma ha inseguito e trovato sia il fuoco che l’acqua, sia la terra che l’aria, sia la notte che il giorno nelle pietre e metalli, nei percorsi e riflessi che sono ora qui attorno. Raccogliendo il dono della Madre d’ogni natura tutto questo ora lo vede anche nel Sé ora sa che guru vuol dir bravità, e la cerca nei sassi e nella forma che vede che hanno, e che dona all’amico, al passante, al passato che torna e che cambia. Cambia il passato? Son quelle ali che… Le sue tele, tutte, una volta ha distrutto. E, in dono, a lui la sorte ora consente vedere una foggia nel legno che il mare ha scolpito: “Era là…” E la pupilla che fissa quel mare (ma che segue anche sullo schermo una freccia) è quella che ha visto brucare le pecore – tante! – in altra stagione. E ricorda, e lo sa. E’ per questo che sa. Che siano di Psiche, oppure di Nike, lo fanno volare di dentro da sotto dall’alto. Procede Continuo, o fa un salto, e ci chiama a vedere il suo volo. Andrea Antoniani – marzo 2000 E’ un gioco di luci che si rincorrono e s’infrangono su lame incorporee, è un allucinante riverbero incorporeo quello che scaturisce dall’immaginazione (o immaginiamo) di Emilio Anselmi, per cui diremo che l’afflato metapsichico impone all’attenzione dell’osservatore una meditazione, che parte dall’ancestrale e perviene alla contemplazione. Scavare nei meandri delle riflessioni incrociate su spicchi di realizzazioni fantastiche, polverizza in magma quanto nella natura vive e si spande, dare a tanto la forza di un contesto che si avvale dello sconvolgimento metafisico che, peraltro, è anche costruzione, non è compito agevole eppure Anselmi vi perviene con sicura efficacia. Su questo piano riteniamo che la pittura di Emilio Anselmi possa percorrere ancora molta strada e con successo. Catalogo d’arte Contemporanea Editrice Alba – Antonio Caggiano   E’ stata inaugurata la mostra del pittore Emilio Anselmi, nella sala del Circolo Sociale d’Arte “Predestino-Centocelle” in via F. Delpino 166. Anselmi è un giovane artista che è riuscito ad allestire una rassegna sui un tema “la frantumazione della parola” quanto mai insidioso e difficile. L’impressione delle sue opere è di trovarsi di fronte a una ricerca condotta con serietà e meticolosità. Le opere di Anselmi saranno esposte fino al 18 prossimo. Il Popolo – 16 novembre 1978 Il pittore Emilio Anselmi ha fatto un regalo alle socie del club di Modena. Anzi, di regali ne ha fatti dieci, dal momento che ha messo a disposizione dieci delle sue opere da estrarre a sorte tra tutte le iscritte. Il sorteggio si è svolto il 14 marzo, presso la Galleria Ghirlandina in occasione della vernice della mostra del pittore. Annabella – annoXLIV n° 15 Sacred Spirit di Emilio Anselmi Mitia. La mostra presentata da Mario Lunetta, espone una decina di “Totem” realizzati con materiali riciclati. Vuole essere un tributo al “popolo degli uomini” (Indiani del Nord America), ma anche l’espressione di una necessità primordiale dell’uomo di dare forma al divino. Romacè – 8/14 ottobre 1998 E.A.Mitia allestirà una mostra nelle sale di esposizione (Cripta) della Chiesa Romana “All Saints” Anglican Church, in Via del Babuino 153, dal 3 al 14 ottobre p.v. Le opere, una decina di “Totem”, la cui altezza si aggira intorno ai due metri e mezzo, sono realizzate con materiali riciclati, dal noto artista che abita a Monterotondo, dove lavora e vive da molti anni. La mostra vuole essere il tributo di un artista contemporaneo al “Popolo degli uomini” (Indiani del Nord America), nonché l’espressione primordiale della necessità dell’uomo di rivolgere le proprie preghiere a qualcosa di concreto che dia forma al Divino. L’autore è pittore, incisore e scultore che esprime la propria arte riciclando materiali usati, manoscritti antichi, pietre, legni e ferri. L’inaugurazione della mostra avverrà sabato 3 ottobre alle ore 18 e sarà visibile fino al 14 delo stesso mese dalle 10,30 alle 20,30 ogni giorno. Nella presentazione Mario Lunetta scrive: “Questo non è il racconto di un grande cacciatore, né di un grande guerriero né di un grande viaggiatore, sebbene ai miei tempi io abbia cacciato molta carne e lottato per la mia gente, sia da ragazzo che da uomo, e sia andato lontano e abbia visto tante terre e uomini strani. Lo stesso hanno fatto molti altri e meglio di me. Queste cose le ricorderò nel mio racconto e spesso potrà sembrare che esse costituiscano il racconto stesso, come quando le vivevo, nella felicità e nella disgrazia. Ma adesso che posso vedere tutto ciò come dall'alto di un colle solitario, so che era la storia di una potente visione, concessa a un uomo troppo debole per servirsene…” Sono alcune delle parole del vecchio stregone sioux Alce Nero della tribù Orlala … E’ il caso di dire che, quasi per un minuscolo paradosso della storia, il disperato “testimone” del vecchio predicatore sioux è stato raccolto, in età postmoderna e ipertecnologica, da un artista di grande sensibilità antropologica, che nel disordine casuale dei materiali rinvenuti nell’immane scarto del consumo persegue un ordine alterno rispetto al caos dell’impostura totale che deregola la nostra vita e di ogni istante diessa fa merce… E.A. Mitia non realizza i suoi manufatti appiattendosi sulle scoperte geniali e ciniche di Duchamp, che hanno azzerato il rapporto tra senso dell’opera d’arte e percezione del fruitore, ma lavora con uno spirito assolutamente scevro da eleganze e trucchi…” Mondo Sabino – 3 ottobre 1998 Giuseppe Vecchio Si è inaugurata, il 10 maggio u.s., in via Bellini, 46 in Monterotondo la mostra dell’artista Emilio Anselmi, con opere in tecnica mista, già esposte in molte personali. Le opere esposte sono: Sharazade, la donna del cuore, Mirab, La città fallica, Il mercato persiano ecc. Si tratta di una mostra di grande caratura culturale, tenuto conto della ricerca dell’artista sul tema del sacro. Infatti, in Persia, nascono le religioni più importanti basti pensare ai titoli: Il trono di Haeloim e il Mirab, che è il punto della moschea che guarda verso La Mecca e proprio il monte Hira dove Maometto ha avuto l’illuminazione. Presenta anche la poesia di Omar Khayyam. La poliedrica attività dell’artista è descritta in moltissimo articoli di noti critici d’arte, uno dei quali recita (Il Tempo): “Emilio Anselmi, vincitore del primo premio per la grafica del “Premio Sulmona di Arte contemporanea” espone i temi più cari dell’artista: la famiglia, simbolo dell’amore, la casa che dà sicurezza e serenità; sapiente è il gioco degli scorci, delicati e intensi, resi con l’originalissimo uso della china.” Per la pittura Anselmi si serve contemporaneamente di collage, olio, tempera, inchiostro ed altri mezzi per rendere l’effetto desiderato. Fra il numerosissimo pubblico che gremiva la sala, potevamo distinguere Domenico Dortenzio, la sua gentile consorte, Anna Chiara Anselmi, il regista attore Edgardo Prosperi, la gallerista Giuseppina Frassino, il dott. Enrico Angelani, il poeta scrittore Angelo Mancini, il neo-laureato in giurisprudenza dott. Filippo Fazzini, lo scrittore prof, Daniele Fabrizi, il dott. Domenico Fabrizi la Sig.a Isolina Sacchetta. Mondo Sabino – 17 maggio 1997 Giuseppe Vecchio Mitia nella costruzione delle sue opere, ama prendere un soggetto, estrapolarlo dalla sua realtà e svelarne i contenuti più intimi, più segreti, ponendolo in una dimensione “altra” che ne mette in luce la sua recondita essenza. Un immaginario che si esprime in accostamenti tra oggetti, audace ed insolito, dove la volontà dell’artista è tesa a far si che l’opera “parli al fruitore”, gli si rivolga direttamente, se pure a volte con un linguaggio arcano, trasmettendogli tutta la sua ricchezza significante. Franco Campegiani espone il suo punto di vista sull’opera di Mitia: oggetti scaturiti da un lavoro artigianale, con un sapore letterario e rusticano che prendono a prestito la civiltà tecnologica con una simbologia che parla da se nell’atteggiamento dell’uomo primitivo, il quale resta allo stato grezzo, nella condizione con cui si vuole e si deve andare in sintonia con l’universo. Egli fonda arte, tecnica e religione. Tecnologia alternativa al servizio dell’uomo presentata da una satira da Pop Art, assente quella naif. Mondo Sabino – 4 aprile 1998 Giuseppe Vecchio Anselmi è stato il felice rincontro d'amico, che nel lungo passaggio degli anni è uscito dal suo ghetto culturale per entrare con tutta la sua semplicità nel mondo libero dell'arte. Guardando i suoi quadri ho trovato dentro le sue carte assorbenti i ricordi di quando era fanciullo e con le carte assorbenti asciugava l'inutilità delle parole che formavano sulla carta bianca ombre misteriose come geroglifici moderni. I suoi quadri silenziosi ove le figure umane chiuse nel loro cerchio di conoscenza non svelata, nascono già mute e pochi labili accenni di colore come strappati al pennello formano qua e là il grigiore del nostro vivere quotidiano; ma lasciano però quel codice d'ombre ingiallite dal tempo dove forse un giorno qualcuno potrà decifrare la parola vera e unica: Arte. Sergio Guzzo Premoli L'opera di Emilio Anselmi, di cui queste "pietre" sono un saggio assai significativo, procede entro il solco poetico, ed insieme polemico, del realismo oggettuale, ove confluiscono le stimolazioni del Ready-made, dell'Arte Povera, della Pop-Art e del New Dada. Un'arte, dunque, essenzialmente materica e polimaterica, in cui l'oggetto viene come estrapolato da un contesto che tende a massificarlo, per tentarne una sorta di rivalutazione intima. Tale rivalutazione, che nelle poetiche considerate assume valenze demistificatorio-ironiche e insieme simbolico-psichiche, nei racconti e nelle allegorie di Anselmi acquista connotazioni più ampie e profonde di quelle prettamente antropiche, scendendo verso una memoria più remota, e direi edenica, in cui l'uomo vive all'unisono con le cose, pago della comunicazione che avviluppa tutto il vivente. L'allegoria è chiara in opere come "Leggenda delle pietre", dove, in una cassa di legno, si celano sassi che vogliono essere doni, in un'abbondanza improvvisa e insperata per la moltitudine (come quella profusa dagli Americani, sul finire della seconda guerra mondiale, a beneficio pubblico). In altri casi il "tesoro" è ricoperto da un velo che si può togliere, come nella "Leggenda del cavallino", e in altri ancora ("Maternità") si offre in una sorta di parto petroso ovulare, apertamente. Altrove l'allegoria è più sottile e mediata. Come in "La rosa" o "Leggenda della libertà", dove la maglia dell'inferriata spezzata lascia uscire l'incontenibile grido di liberazione dell'io. O come in "Totem", la cui struttura grezza e primordiale, che ha una strana somiglianza con le croci di montagna, rammenta l'obliterata sacralità del tempio naturale del creato. Stessa finezza allegorica troviamo nel "Copialettere", che narra di una civiltà più umana, dove i sistemi di comunicazione sono lontani dai processi alienanti dei media attuali. O anche in "Biblioteca della memoria", un diario segreto di schizzi pittorici e di appunti lirici, posto fra due pietre e reso inaccessibile alla curiosità del frettoloso lettore. Ma nell'esaltazione dell'incanto, non è che Emilio Anselmi misconosca il valore del disincanto, giacché egli sa che c'è sempre il rovescio della medaglia e che la gioia non è mai scissa dal dolore. Il suo sentire naturalistico avverte l'equilibrio dei contrari: quella dolorosa armonia del creato, da cui fugge spesso l'uomo civilizzato per riparare in illusori e disperati, purtroppo, paratisi artificiali. Ed ecco la "Leggenda del sacrificio", che con il suo ceppo da macellaio, rinnova i temi delle religioni sacrificali arcaiche - cui in un certo senso il Cristianesimo non è estraneo - le quali, in un tempo anteriore alle scissioni manicheo-mazdaiche (ma in altro senso anche ebraiche) vivono il problema morale come intima collaborazione delle forze del bene e del male. Sulla stessa lunghezza d'onda è "Gemini", la cui struttura duale amplifica le proprie possibilità simboliche attraverso il possibile ribaltamento delle due forme gemellari, che si trasformano in fiere in agguato. La dualità è sempre presente nell'opera di Emilio Anselmi, dove i vuoti e i pieni (lo yin e lo yang) si compenetrano in un gioco di cooperazione cosmica, in un abbraccio non retorico, né mai morbosamente erotico, ma pregno di armonia. Allo stesso modo non c'è divergenza fra natura e cultura, fra la creatività dell'uomo e quello del creato. Si tratta di forme espressive diverse, che tuttavia concorrono al fermento creativo universale. A una condizione, però: che l'uomo sappia essere autentico, sappia essere se stesso, senza fingere con se stesso andando a costruire valori distorti e artificiali. Questi intenti dell'artista si evidenziano maggiormente laddove, nell'usare e nello scegliere oggetti naturali, egli fa di tutto per lasciare che parlino da sé. E' un po' l'atteggiamento dell'uomo primitivo, che non modella le pietre, ma le usa allo stato grezzo, nella convinzione che siano dimora di spiriti e di particolari entità con cui si può e si deve entrare in sintonia. E' un tornare alla dimensione naturale del sacro, dove si fondono arte e religiosità. Né questo atteggiamento - come detto - vuole essere punitivo nei confronti dell'umano, quando questo umano sappia non diventare disumano, approfittando del proprio libero arbitrio e tradendo la propria autenticità. Ciò che Anselmi intende cogliere non è altro che la conversazione universale, nella quale anche l'uomo è inserito, o può inserirsi, se accetta di essere il padrone autocritico di se stesso, nel tentativo di conformarsi alla propria dimensione archetipale. Da qui l'interesse che Anselmi nutre per l'altrui linguaggio espressivo, quando questo riesca a cogliere la vera creatività. La sua intensa attività di gallerista lo può confermare. Ma ancor più lo confermano - come già detto - i riferimenti più o meno espliciti ad autori contemporanei, che egli fa rivivere nel proprio diario creativo, come a strapparli dall'appiattimento e dalla massificazione della storicità. Questi rimandi non vogliono essere altro che echi di quella festa segreta e universale, di quella entusiastica e creativa autenticità, che la ricerca di Anselmi intende appunto annunciare, in un rinnovato senso della fratellanza e della creaturalità. Una scelta tutto sommato naturalistica, che non comporta menomazioni alle capacità prettamente umanistiche di fare cultura, dacché l'uomo può sentirsi nell'abbraccio della natura a qualsiasi livello di sviluppo culturale e a qualsiasi stadio tecnologico. Tutto dipende dalla sua moralità con se stesso, dal suo sentirsi in conflitto oppure in sintonia con il mistero che è dentro di sé. Ecco che le sculture hanno un sapore rusticano, alcunché di arcigno e fiero, frammisto ad una raffinatezza intellettuale, ad un fascino leggiadro e gentile che sorprende. L'istintualità è fondamentale in elaborati di tal fatta, ma non è mai affidata al caso, sebbene la ricerca non risulti programmata intellettualmente. C'è un affidarsi all'istinto profondo, la cui programmazione non è razionalistica e viaggia su binari istintuali non inquinati dalla superficiale emozionalità. Franco Campegiani, 1995 Emilio Anselmi alla “Ghirlandina” Alla “Ghirlandina” (Canalino 43), prima personale modenese di Emilio Anselmi, un reggiano 36enne che vive a Monterotondo, presso Roma. La mostra si raccomanda per il rigore col quale Anselmi – approdato alla pittura da pochi anni – conduce la sua ricerca in un’area che definiremmo di naturalismo astratto con propensioni liriche. Si tratta di chine che, dopo essere state diluite con solventi, vengono stese a spatola. E’ questa la fase più delicata dell’operazione perché c’è il rischio di cadere nel casuale o nella decorazione epidermica; trabocchetti ai quali il pittore quasi sempre si sottrae. La mostra è stata patrocinata dal club modenese di “Annabella”. Al cocktail della vernice dieci quadri sono stati sorteggiati fra le aderenti al sodalizio. Timidamente, il sottoscritto ha chiesto se era possibile sorteggiare per lui una… socia del giovane club. “Lei deve andar per quadri, non per donne”, gli è stato risposto. Si ma è un’altra cosa. Il Resto del Carlino 8 marzo 1976 - Ferruccio Veronesi

Roma 18.12.1942

Via Giacomo Giri, 1 RM

Piacenza 4.10.1938

SEGNALATO DALLA GRAFICA CAMPIOLI
Architetto, docente di storia dell'Arte, esperta di Arti decorative. Inizia l'attività negli anni settanta, prediligendo il figurativo (Olio, acquarello, tempera) Dal paesaggio che mescola materie e temi architettonici, si evolve verso lo studio della forma/corpo e della sua interazione con la forma/materia (impasti di terre, sabbie, gessi e cere). Ha al suo attivo importanti incarichi di decorazione in Italia (Roma, Capri) e all'estero (Paris).

Nasce a Roma nel 1949 dove vive e lavora.

Monterotondo 2.1.1958
Espone alla Grafica Campioli nel 1989 - 1991 - 1992 - 1995 - 1996

Corteolona Pv: 17.08.1923
studio ed esposizione permanente a: Santa Cristina e Bissone Pavia Viale Rimembranze, 12
038270175 cell. 3403032450  
   
                                           

ref. Vescovado di Pavia e Tortona - Centro Culturale "Barbieri" Broni - Pavia

Tra il 1969 e il 1971, è incisore presso l'atelier de gravure di Pablo Picasso, tra Spagna e Francia. In questo periodo incide almeno 4.000 matrici del maestro, su pietra, linoleum, legno, rame, zinco, plexiglas e collabora anche alla produzione di maioliche e terrecotte.

Nel 1970, con la collaborazione del regista Armentani, vince il primo premio alla Biennale di Venezia con un documentario dedicato alla grafica d’arte.

Nel 1972 diviene titolare della prima cattedra d'Incisione e Stampa d'Arte presso l'Accademia di Belle Arti di Napoli, dove resterà per due anni. In questo periodo forma un gruppo di ricerca per analizzare le pitture ad encausto di Pompei, Ercolano e Resina.

Fino al 1977 fu direttore artistico della stamperia 2RC editrice di Roma, continuando ad essere l'incisore personale di Picasso, fino alla morte del maestro. Nel contempo incide e stampa opere di altri autori: Afro Basaldella, Pierre Alechinsky, Max Bill, Alberto Burri, Giuseppe Capogrossi, Carlino, Consagra, Cordio, Dorazio, Joan Miró, Mallory, Umberto Mastroianni, Pepper, Perilli, Arnaldo Pomodoro, Porzano, Radice, Mark Rothko, Roberto Venturoni, Simbari, Scarpa, Soto, Victor Vasarely, Pietro Del Greco, Alfonso Cipollini detto Irpino, Bruno Canova, Salvador Dalí, Marc Chagall, René Magritte, Gianni Bruni, Guillame Corneille, Grafica Campioli, Enrico Di Sisto.

1977-81, titolare della prima cattedra sperimentale d'incisione e stampa d'arte presso l'Accademia di Belle Arti di Roma, apre uno studio stamperia a Roma ed esegue opere per Mancinotti, Monachesi, Montanarini, Cantatore, P. Cascella, Irpino, Rut, Cacciò, P. Zac, Umberto Mastronianni ed altri.

1982-88, direttore artistico stabilimento editoriale NUOVA FOGLIO di Macerata, realizza e posa "La Madonna del Soccorso" scultura in bronzo h.m 4,26 in Capri (NA)

1988, fondatore della scuola- stamperia "ELLE-GI" in Roma restaura le cupole delle Moschee di Rabat, Ketama e Kemissat in Marocco, coordinatore di corsi d'arte applicata per L'Università agli studi di Roma della terza età

1990-92, restauro del Tempio di S.Giovanni a Castelvecchio subequo riattazione della Chiesa - pavimentazione , intonaci,stucchi -pietre - carte e legni di arredo

1996, realizzazione e posa di un bassorilievo in maiolica policroma per l'anno giubilare in onore di Papa Celestino V , in Castelvecchio subequo - (AQ)

1999/2000, IN COLLABORAZIONE CON L'UNIVERSITA' POPOLARE MOSTRA DELLE OPERE DEGLI ALLIEVI DEL 2° CORSO DI PITTURA (Grafica Campioli)

2002, realizzazione del torchio calcografico più grande d'Europa in L'Aquila realizzazione di spot e eventi multimediali per il gruppo editoriale Mediaset; Produzione televisiva di Rete4 programma tv "Forum"

2003-07, allestimento dello studio multimediale e polifunzionale "OFFICINA ARTISTICA" in Collemaggio L'Aquila, attrezzata per la progettazione e realizzazione di opere d'arte e scuola-officina di arti applicate (oreficeria - ceramica - stamperia artistica calcografica e litigrafica, decorazione, scenografia , scultura,settore sperimentazione tecnologie avanzate) restauro globale effettuato con batteri, del bronzo a firma Nicola D'Antino raffigurante "La fanciulla della fontana di Collemaggio" posata nel presidio ospedaliero S. Salvatore - Coppito (AQ), restauro e posa di bassorilievo in maiolica policroma in presidio ospedaliero S. Salvatore - Coppito (AQ)

Esposizioni:

1968, Museo Pignatelli, Napoli; 1969, Galleria Numero, Roma; 1971, Galleria Boulakia, Parigi; 1972, Galleria Maier, Ginevra; 1974, Biennale di Lecce; 1975, Cabinet des Estampes di Losanna; 1976, dai Maestri agli allievi; mostra ciclica, Roma; 1977, Maison de la culture Algerienne, Algeri; 1978, Galleria il Babuino, Roma; 1979, Palazzo dei Diamanti, Ferrara; 1980, Museo d’Arte Contemporanea, Elsinki; 1981, Palais des beaux arts, Charleroi; 1981, Albert and Victoria Museum, Londra; 1981, Galleria Meridien, Parigi; 1982, Prima Festa Nazionale Donne, Festa de l’Unità, Roma; 1983, Galleria l’Incontro, Roma; 1984, Sede Centrale Banca Credito Italiano di New York, USA; 1985, Palazzo delle Esposizioni, Città del Messico; 1985, Palazzo delle Esposizioni, Roma; 1985, Museo d’Arte Contemporanea di Costanza, Romania; 1986, Antologia Museo Nazionale di L’Aquila; 1987, Casa della Cultura di Santiago del Cile; 1987, Museo d’Arte Sperimentale Città di Barcellona; 1987, Forte Spagnolo, L'Aquila - 1988, Cabinato des Estampes, Losanna; 1990, Galleria Rossigni, Roma; 2003, Collettiva “Artisti per la Pace”, Angelus Novus, L’Aquila 2003, Personale, Castel Camponeschi, Prata D’Ansidonia Altri Eventi principali: 1987, realizzazione di un bronzo h. 4,26 mt “Madonna del Soccorso”, Capri (NA) 1988-1999, Restauro di minareti e cupole delle moschee di Rabat, Letama e Kemissat in Marocco; 1991, Manutenzione e restauro dei sigilli litografici vaticani; 1992, Restauro Chiesa di San Giovanni Subequeo 1993, Collaborazione con il Ministero della Pubblica istruzione per la realizzazione di cassette per la didattica sull’incisione e stampa d’arte; 1994, Realizzazione spot pubblicitari per il Gruppo Editoriale Mediaset; 1995-1999, cattedra d’incisione e stampa d’arte presso le Accademie di Belle Arti di Roma e Brera; 1996, Realizzazione di un bassorilievo policromo in maiolica per l’anno giubilare in onore di san Celestino V, Castelvecchio Subequeo 2007, L'Aquila: i persistenti segni estetici della città - Museo MUSPAC, Fondazione CARISPAQ, Angelus Novus Pubblicazioni e Recensioni: Argan, “Grafica di Mancinotti”; - L’Automobile, Quindicinale 1969; - Bolaffi, 1973, 1974, 1975; Comanducci - Stamperie Gala, n. 3, 1976, Milano; - “Omaggio a Pasolini”, editrice Magma; - “Torchio in Piazza” TVR Voxon daily News, Luglio 1978, Roma; - TV-TG1, Premio Sibari, 1978; - Il Messaggero, Rubrica di Camilla Casacci - Daily News, Marzo 4/5, 1979 - Sipario, L'Aquila 2007, Maurizio Cocciolone